深夜楽堂 – 旋律的靈魂道

Posted on:October 13, 2017

Author:admin

Category:Uncategorized

Share: / /

作曲其實真係好簡單?嘩吓,個intro同邊首歌咪一樣既!一定係人地坐時光機抄啦!
曾經有人話過:「Good Artists Copy, Great Artists Steal」偷即是高手,抄也就很低手,
然而是否再沒有原創的可能性?歌曲的 Hook Line 是否來去都差不多呢?
經典歌曲的旋律超簡單的說耶,所以現在就不能創新超越了!因此以前的歌曲好聽點!

“STOP! Wait a minute!” Uptown Funk如是說,好歌不一定是舊歌,舊歌也不一定是好歌。
我們時常聽到新不如舊的論調四週出沒,但卻偏偏少了些客觀的佐證給我們反思反省一下。

今天嘗試說一說旋律這東西,嘿!利申:這不是教你寫歌的post,純意見分享,
不喜可插,不過如對你有所啓發,給我一杯 Dry Martini 就 Okay,記住要Shaken,not stirred。
旋律是一種很玄的東西,好聽的,會如影隨形地在你腦袋裡遊一輩子。
不好的,無論經過多少次聆聽,一秒過後,灰飛煙滅,半句都不會記得。以下就直入正題,不BS了。

旋律的線性(Melodic)-
若你將音階高低起跌譜出來,你會發現旋律就好像如樓梯級一樣上上落落,
或者有既定句式上的模式(pattern)可以觀察出來,將不同段落,如Verse及Chorus分開來看,
旋律在視覺內會形成圖像;我們可以用 MIDI 在 DAW 中的 Piano Roll 工具輔助下做到,
這樣會容易一點看到旋律的線性,旋律是”點”,將它們連接起來變成”線”,
線性的呈現使我們對歌曲的結構,樂句起承轉合的理解能夠較有系統地整合各種音樂風格的特性,
分析人家的作品無疑會令我們更有效地了解如何寫出好的Hook Line來,
並且能夠窺探作曲者的旋律喜好特性,也可比較同一作曲家不同作品的相似度,
像 Photohunt 一樣找到作曲家的特色出來,這樣的研究挺有趣味,
也可以檢視自己的作品,看看有沒有一些屬於你個人的喜好。

旋律的節奏(Rhythmic)-
除了線性這一環,其次可以檢視旋律中的節奏。用廣東歌來與歐美英語歌曲一同比較,
不難發現我們的Cantopop在旋律的節奏設定上較為單一,不是沒有Beat,但就不太強烈,
而且速度一般都是芭樂式慢歌,Melody Line的節奏或多或少受到語言的局限,
相比起一些改編歌曲,本地的作品往往較著重旋律的線性而不太重視它的節奏組合,
即是以不同律動(Rhyme)合成不同組合(Groove)去驅動旋律創作的模式較少見。
又有人說,廣東歌要做到這樣很難吧?
不是的,這幾年一些流行作品也有特意用節奏作基礎發展出旋律來,
看到不同訪問歌手與監製們都有這種說法;可惜往往商業作品的框框到現在也很牢固,
製作人在編曲時展示不到最具創新的一面,因此好像隔靴搔癢,整啲唔整啲,
有種兩頭不到岸的感覺。同樣是潮流興復古,這兩三年80年代味道回歸全球樂壇,
Synths與Sampling的作品大行其道,其實如果豁就豁出去放膽於聲音及編排上跳出個框,
香港的樂迷就有耳福了。P.S. 如有Cantopop作品屬此類請PM告之,可能我本人寡聞未必留意到。

旋律的獨特性(Symbolic)-
上面兩樣加起來,Apple Pen 同 Pineapple Pen 個位日本大叔就輕易上了Billboard喇!
真的嗎?因為很久也沒有這麼無聊但一唱入腦的 Hook Line 出現呢,當然那個MV也幫助不少,
但我們也斷不能眼紅紅人家賺大錢喔!要知道成功非偶然,Cantopop不會死去的請放心,
只要將Melodic與Rhythmic於寫作過程中成為創作的重點基礎,兩者找到平衡點,
不只倚重旋律的線性而忽略了節奏的創造,或從節奏出發才譜上樂句,
用不同Progression去誘導感人的旋律,不要再只是 IV V IIIm VIm IIm V I 那種悶局,
Come On,James!發掘自己作為作曲人的獨特性,
或作為樂迷多些欣賞不同Genre的曲風所植根的Uniqueness,當獨特性成為創作時的追求,
歌曲被人淡忘的機會率相信會細得多,與此同時又不會孤芳自賞和自High,
樂迷們也樂於接受新聲音,不只怨聲載道說我們有幾咁不濟,
都係個句,香港的樂迷就有耳福了。

要旋律鬆容不迫地寫出來,實際上平日的練習就必須有一種修練的感覺。
「靈魂道」三個字應該從後而上地解讀,即是有了練習的特定模式,亦即恆常練習定時寫作,
接著從汪洋大海的練習曲中(自己寫的作品)創立了既定而自己看為滿意的句式;
經過一段相當時日的鍛鍊,從作品中了解自己寫作的習慣與感染力的關係,
是否獨個在凌晨坐在鋼琴前的作品比較懾人,定或是與Band友即興創作時更刻骨銘心,
這些都必須成為檢視自己創作上的習慣,假以特定時日,便能提升到靈與魂的層次。

有人話過,靈感通常都是掉下來的,可說是一半對一半錯。
無疑有些時候突然的神來之筆可幫助我們一把,將茅塞了的黑暗頓開到光明,短短十數分鐘便有了佳作。
但是我們不能長期靠運氣,要天掉些音符下來。所以倒要有一種持續的恆心,
來練習旋律如何從腦海中的虛蕪變成活生生的作品。所以我會認為這一種恆心叫Principle,
華麗一點用個”道”字來具體說明多一點:Principle可以是一種Routine,一種規範,
一種自我約束提昇技巧的法門。相信每一位音樂人也能做到一定程度的Routine,
視乎不同崗位及範疇而定,但作曲人就應該擺放更多時間去為自己的寫作能力訂下推動創作靈感的日常練習。

正正在寫到上一段,剛是午飯時間,下筆途中腦閉塞,慘!跳出了對著電腦的框框,
往街裡走下去吸一吸空氣還好。回到桌子前,帶回幾張日韓的專輯,都是特價區的貨品,
沒人問津,名氣不太大的專輯;但是,一聽不得了,然後滿腦子又滿滿的墮進創作的思海,
邊聽邊寫應該更有生氣更有音感。所以routine很重要,我也有一種屬於自己的創作習慣,
就是聽一些完全陌生的專輯,單憑對專輯的設計構圖,就入手,然後放進唱機聽,
那種闖進Unknown Zone的感覺極度刺激,至少你會期待以下一首會是什麼歌,好壞合味道與否,
都聽完一整遍才評價。還有一樣,就是邊聽我會邊彈著keybaord,試著跟隨音樂游走,
這就是我刺激自我創作的routine,創作的cycle因此而成長。所以要找回創作的原點,給多一點自己壓力,
定期也要完成新作品,不要太對於一首或半首作無限loop的修改,太多的改動不單磨滅了最初下筆的感動,
也會耗損寫作的熱情與動力,只要著重創作的cycle,令routine成為principle,成為凌駕旋律的必勝之”道”。

靈與魂本質來說是「形而上」的用語,很難以數言數句講得深入。
靈,給人有精神上獲得領受、有被充滿的意味,要作品有靈的感覺,
原創上一定擁有令人一聽而直入心腑的感覺,旋律不止停留在腦袋,而是由心一同感受作者第一身的感受。
入腦的旋律不一定能直入心扉,好聽而耐聽的作品,多數都是從心再迴腸到腦海中。
相反,好聽但不耐聽的作品可能在旋律的創造上少了原創性,如線性與節奏並未配合到極致,
節奏性不足,起伏的線性太簡單化,或未能營造一聽而陶醉的效果。若集中看Hook Line的話,
猶以副歌為重點,聽者的第一身反應是很敏感而實在的。在寫作時創作人會非常注重副歌的呈現,
因為整首歌的中心都在這裡。往往有一個section可能是被忽略的,那就是正歌的一段,
什至是整個intro的section。他們的存在是極其重要的,因為當音樂奏起的每一秒,
都是教聽眾引起聽下去至整首歌完結的催化劑,因此不要忽略他們的結構帶給整首作品的完整性。

“靈”是指向當代現時的期間,”魂”則是陰而不散的,是留存到將來橫跨世代的。
這個命題句是我大膽假設的,照樣歡迎大家熱烈討論,最終能有良性討論就是樂壇能再有美好序幕的開始。
縱觀近代流行曲的幾十年,二十世紀前期抱歉未必會深入討論,用一些較近的例子希望樂迷更有共鳴。
為配合最終回的講解,健太郎會身先士卒,示範一些instrumental tracks給大家譜譜曲,繼續愛上自作樂!

靈與魂是相輔相成地形成一種難以抵抗的魔力,就是你要一聽再聽三聽欲罷不能的去聽。
花上數小時什至整個星期都會沉浸著一首歌的旋律裡頭,你可以隨時都哼著,總之就是不能停止。
原因在那裡?正如上一篇說到,有Melodic加上Rhythmic而產生Symbolic的獨特性,
以至在整個市場上沒有同類型的作品在前,至少一段時間沒有的話,刻下便會成為經典之作,
從而這首歌的spirit就因此提升到很高很令人崇拜的層次,即係有Class,所以便很Classic。
Classic經典一詞不一定指向舊歌,應以一個時代或generation來看也可。大家準備戴上耳筒,
或開定Monitor Speaker,來聽聽近期的經典曲目!

首先是Adele的All I Ask[Bruno Mars – All I Ask | http://bit.ly/brunoalliask ]
,原作是Bruno Mars有份參與作曲的,這個版本是Bruno自己在英國BBC Live的版本。
用上電鋼琴Rhodes Piano作開場,非常Melodic的旋律設定,是現代芭樂流行句式的一個很像說唱形式的演繹。
節奏上反拍用上Hand Clap Sample,看到鼓手的Hybrid Drum Kit是一件很興奮的事,
將電音與原音混合的模式應該是大行其道了。前段的表達不就正是八九十年代最iconic的編曲處理嗎?
亦即常見到的一種稱呼,vintage復古的感覺喔!整體就是簡單直接,一兩個synth的編排,
三部和音組合加上節奏藍調的鼓及低音結他,無疑加上Bruno極厚實的聲底,
相對Adele的原唱上帶出了本身歌曲比較原始的現場味道。

同樣是自己音樂自己做,一出道便旋即登上大榜的英國新秀Ed Sheeran,
其編寫的旋律及演唱技巧感人至深,幾年前的一首主打作[Ed Sheeran – Thinking Out Loud |
http://bit.ly/edsheeranthinkingoutloud ]至今仍被樂迷們津津樂道,對不起我太喜愛現場的演出,
發現搜羅發佈的大多都是Live版本。這一首歌是很有spirit的,是一聽入心,不需腦海分析,
直接動人的作品,成為上乘之作無容置疑。一支木結他,就是小小Martin雖應以LX1E為藍本,
但有理由相信他那支是Custom-made的,聲音上較圓潤及飽滿。當然Shure的SM7B也應記一功,
由MJ用它來灌錄人聲開始,此Mic己成經典。噢,有點離了題,往後在其他篇章才再講器材之用。
這首作品在旋律上非常有節奏的特性,加上毫不修飾的歌詞,一路聽一路感受歌者情緒的起伏,
不需要大樂隊也能突出整個旋律,所以一字記之曰:超好聽!

好了好了,「魂」又是什麼一樣的東西?且聽聽Stevie Wonder的作品:
「Stevie Wonder, Andra Day – Someday At Christmas | http://bit.ly/StevieWonderAndraDay」
Someday At Christmas是一首1967年的作品,2015年成為iTunes在聖誕節電視廣告歌其中一首,
並由Stevie及新晉騷靈歌手Andra Day合唱。雖然作品己面世近五十年,
但無論旋律與編排上仍然給人歷久常新的感覺。原諒我用了一個貶義詞「陰魂不散」,
就是它的影響力不被時間沖淡,彷彿是當代的作品,走進時間囊但沒有被時間吞噬的痕跡。
而今天的作品可以成為明日經典麼?

試看這兩首歌曲:
1) Sam Smith – Stay With Me ft. Mary J. Blige | http://bit.ly/MaryJBligeSamSmith ;
2) Mary J. Blige – Not Loving You | http://bit.ly/MaryJBligeNotLovingYou,
首先有Mary J. Blige和Sam Smith的合唱,後有Mary邀請Sam為其London Sessions專輯所寫的Not Loving You,
兩首皆出自Sam Smith手筆,很有Power Balled大將之風,旋律不太複雜但識別度高,
三分半鐘的長度合乎成為派台大熱,但歌曲結構緊密,編曲亦簡潔而硬淨,配合Mary的繞樑歌聲,相
信是明日經典之選應無誤。

𠲖!是否有一點口痕痕的感覺想心動去作曲?不用著急,送給樂人谷讀者,即是你,
一些Demo示範的Instrumental Track,看看能否帶給你一點靈感及衝動,
去寫一首充滿靈與魂,能夠打動人的經典旋律及作品!

Demo 1 [85bpm, in F# Major]

Demo 2 [63bpm, in E Major]

Demo 3 [70bpm, in Db Major]

後記:在第三篇出街的同時,網上有一股討論抄襲與改編的文章,為近期一些新推出作品作抨擊。
平心而論,第一話裡嘗試帶出Great Artist Steal的Concept,我想基於現今的流行作品,其
實原創的意味就是能建立屬於自己的聲音,就算話係原作的歌曲,都可能是受某些作品影響而產生出來,
不可能是從零到一。所以作品的高低之分,是搬字過紙?定揉合不同原素創作?
定連抄都抄得眼高手低,我想聽眾會是一試便知龍與鳳!無得呃人呢,科科。

Leave a comment